Red Carpet estrena nueva web, www.redcarpet-online.com

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Crítica de “La Dama de Hierro”

Con un planteamiento interesante, “La dama de hierro” narra la vida de la que fuera Primer Ministro británica entre 1979 y 1990. Una retrospectiva a base de flashbacks de la biografía de Margaret Tatcher contada desde su vejez, en la que se ve dominada por brotes de demencia y las conversaciones con el fantasma de su marido.

Una película que no ha dejado indiferente a nadie y que ha levantado polémica en muchos ámbitos políticos y sociales. En lo que sí coinciden todos es en el papel de Meryl Streep, que por sí sólo ya compensa la entrada al cine. Tanto en la etapa de plenitud de Margaret Tatcher, como en la que la demencia invade la vida de la conservadora Dama de Hierro, es impresionante el despliegue de gestos, movimientos e incluso temblores que encarna la camaleónica actriz. Ganadora del Globo de Oro y firme candidata para hacerse con el Oscar, Meryl Streep borda un papel que parece hecho a su medida y que incluso lleva a que los espectadores se olviden de la parte ideológica.

En las escenas de juventud en las que una chica de clase media consigue llegar a dirigir el país, también es destacable el papel de Alexandra Roach.

En lo que el público no está tan de acuerdo es en el tratamiento de las escenas ideológicas, a pesar de la pretendida imparcialidad con las trata la directora de la cinta Phyllida Lloyd. Una sucesión de momentos políticos dificilísimos, mezclados a menudo con imágenes reales imprimen un cierto tono documental a la película. Momentos en los que la conservadora Margaret Tatcher toma decisiones complicadas bajo el marco del Telón de Acero, la caída del comunismo y el fin de la Guerra Fría.

Por Diana Garrido.

Ficha Técnica

Dirección: Phyllida Lloyd.
Intérpretes: Meryl Streep, Jim Broadbent, Alexandra Roach, Richard E. Grant.
Nacionalidad: Reino Unido.
Año: 2011.
Duración: 105 minutos.


Crítica de “Promoción Fantasma”

Acostumbrados a las series sobre adolescentes de factura española, una película como Promoción Fantasma, el último trabajo de Javier Ruiz Caldera, repleto de rostros salidos de la televisión, debía ser esperada cuanto menos con cautela. Pero la realidad es bien distinta, ya que es sin duda alguna una de las mejores comedias de los últimos tiempos, y buena parte de culpa la tiene el excelente trabajo de todos estos jóvenes actores.

Aun así, no se puede obviar el excelente guión, muy original para este género cinematográfico (unos fantasmas que siguen morando su antiguo instituto, al más puro estilo de El Orfanato). No tiene nada que envidiar a cualquiera salido de los más prestigiosos estudios de Hollywood en cuanto a su desarrollo e ingenio. Con un sabor Made in Spain aporta un plus de identidad y de frescura a la película.

Junto a esos “nuevos” actores, por decirlo de alguna manera, se cuelan otros ya más veteranos que no hacen más que confirmar que el cine patrio está de enhorabuena. Y es que todos los adjetivos son pocos para describir a Raúl Arévalo, que borda el personaje de profesor atormentado e incomprendido. Sólo por él ya merece la pena ver la película. Y también hay que destacar las impagables (pero desgraciadamente cortas) escenas en las que aparecen Carlos Areces y Joaquín Reyes.

Sin duda alguna, una excelente elección para todos aquellos que quieran ir a una sala a pasar un buen rato. Con películas como esta el cine español va a superar su crisis muy pronto.

Por Roberto García Vega.

Ficha técnica:

Director: Javier Ruíz Caldera
Intérpretes: Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Andrea Duró, Jaime Olías, Alex Maruny, Anna Castillo, Aura Garrido, Javier Bódalo, Joaquín Reyes, Carlos Areces, Silvia Abril, Luis Varela.
Nacionalidad: España.
Año: 2012.
Duración: 89 minutos.


Una historia que va de boca en boca

Seven Inks es una compañía que ha surgido hace no mucho tiempo, vinculada a la ciudad madrileña de Alcalá de Henares. Uno de sus objetivos: ser referente por la calidad de sus producciones, algo que después de ver ‘Historia de España en 70 minutos’ en el Teatro Café Arenal, no cabe duda de que van por buen camino.

El resultado de esta combinación es singular. No han necesitado publicidad para llenar la sala un día tras otro, todo su éxito se basa en el “boca a boca”. Los propios actores confiesan que “es muy gratificante saber que todo el que ha venido ha acabado encantado con la obra y la ha recomendado. El propio público es el que ha traído a más público. Este es el mayor premio que hemos podido tener.”

La obra fue concebida para ser representada en institutos, pero pronto el propio guión motivó a los actores a subirse a otros escenarios para darla a conocer al público general. Javi Rodenas, Luna Paredes y Carlos Fapresto componen el elenco actual, bajo la supervisión de Iria Márquez como productora y ayudante de dirección (tras la marcha de Ernesto Filardi, autor y director del texto). Ya os hemos contado qué nos parece la obra. Hoy, charlamos con el elenco.

¿Cómo surge la idea de abordar una cuestión tan complicada como la Historia de nuestro país?

Javi: En mi caso, hace un año, Ernesto (el director) me dijo que había escrito algo sobrela Historia de España. Me pasó el guión, y cuando empecé a leerlo no pude parar. Estaba muy, muy bien. En las primeras funciones que hicimos en institutos, los profesores nos dijeron que debíamos llevar la obra a los teatros y ampliar el público.

Carlos: Tiene la virtud de que es una obra caricaturesca, y esas caricaturas las reconocen mejor quienes conocen bienla Historia de España. Tal vez, los alumnos que ven la obra están un poco más perdidos en este tema, pero yo creo que esto es lo que ha hecho que triunfe entre el público. Además, también hay  referencias al momento actual a lo largo de todo el texto.

¿Qué pensasteis cuando leísteis el guión?

Javi: “¡Cómo mola!” Es como el típico chiste que te sabes, que te lo han contado mil veces, pero siempre esperas a que te lo cuenten para reírte. Pues de esos hay un montón, pero con el añadido de que se habla de Historia, y lo que se cuenta es lo que ha pasado de verdad.

Luna: No son sketches independientes, sino que la obra sigue un hilo. No son momentos dela Historia, sino que se cuenta todala Historia de España. Lo primero que te preguntas es ¿cómo ha conseguido pasar de una cosa a otra de esta manera?

Carlos: Está todo muy condensado. A la velocidad a la que pasa todo, es imposible que el espectador se percate de todos los detalles. Pero eso es lo que permite que, aunque el público vea dos o tres veces la obra, siempre descubra algo nuevo.

Esta obra tiene ya un recorrido y lleváis un tiempo representándola, ¿sois los mismos desde el principio?

Iria: No. Carlos sustituye a Ernesto, el autor y director de la obra. Por cuestiones laborales tuvo que marcharse a Vietnam, aunque desde allí sigue colaborando con la productora. Por ahora, este es el nuevo elenco y es el que se va a mantener.

Javi Rodenas y Carlos Fapresto en escena / Foto: Nani Ramírez

Desde hace un tiempo se os ha podido ver en el Café Arenal, ¿qué supone trabajar en un ambiente tan íntimo, en el que no existe una cuarta pared

Luna: Es un espectáculo en el que nos estamos dirigiendo constantemente al público. Pero en este caso, además, el sitio es pequeño y permite que estemos al lado del público.

Javi: Estamos curados de espanto. Tenemos al público sin barrera, sin foso. Pero con esta obra, eso va bien. Ves al público y sus reacciones.

Precisamente ese detalle es un valor añadido, puesto que se hace más atractivo para el espectador, lo puede sentir y disfrutar más.

Javi: En el teatro pasa lo mismo que en el resto de ámbitos de la vida. O gustan las grandes multinacionales, o los pequeños artesanos, es decir o el Rey León, una superproducción que se pueda mantener, o una producción pequeña. Con el filtro de la crisis, o se tiene un respaldo, o tienes algo que puedas mantener con pocos medios. Cuando hay que superar una dificultad, es cuando se crea la genialidad.

Carlos: Una de las críticas que hemos recibido es que la obra se hace corta. Son 70 minutos, y aun así, la gente quiere más.

¿Cómo anda el españolito medio de cultura general?

Carlos: Creo que no está tan mal como se pinta. A mí me interesa muchola Historia, y conozco a otros muchos aficionados. No hay más que ver la cantidad de coleccionables y revistas que se pueden encontrar en los kioscos. Hemos tenido algunos espectadores que son historiadores y se lo pasan bomba.

Javi: Al final te das cuenta de quién sabe de Historia. Sobre todo, por cuándo se ríen. Hay risas que son por lo que va a pasar, y otras por lo que se ve que está pasando.

¿Qué balance hacéis del tiempo que lleváis trabajando en esta obra?

Iria: Pues muy bueno. El boca a boca funciona muchísimo. Hay que tener en cuenta de que esta obra nació para ser una campaña escolar, lo que seguimos manteniendo junto a las representaciones en teatros. Nos ha sorprendido mucho la respuesta del público, porque un montaje sin demasiadas ambiciones, de repente funciona y va creciendo por sí mismo, sin necesidad de darle un empuje añadido. La respuesta del público está siendo muy buena.

Ya habéis llevado esta obra fuera de Madrid, ¿pensáis volver a salir de gira?

Hemos estado en Benicassim y en Eibar, pero esperamos empezar a viajar ahora. Queremos intentar compaginar nuestras representaciones en Madrid y fuera dela Comunidad.

Por Vicente Rodrigo y Nani Ramírez.


Crítica de “Moneyball, rompiendo las reglas”

Lo que llama más la atención en Moneyball, a priori, son los hechos reales en los que se basa la historia. Billy Bean fue jugador de béisbol, y también el primer gerente deportivo que utilizó las estadísticas para la confección de un equipo de máxima calidad con un presupuesto muy inferior al de sus rivales. Un argumento que cobra especialmente interés si llega acompañado de actores como Brad Pitt, Jonah Hill o Philip Seymour Hoffman.

El director, Bennett Miller (Truman Capote) lleva a la pantalla la obra del ex corredor de bolsa Michael Lewis, Moneyball The art of winning an unffair game, el libro que relata la historia de cómo Billy y su asistente Peter Brand pusieron patas arriba las reglas tradicionales del béisbol y a los ojeadores de los Oakland Athletics, más conocidos como The A´s, un equipo californiano de la División Occidental de la Liga Americana.

La película lleva al espectador a ponerse bajo la piel de Billy, y muestra, en las dos horas de metraje, esas inseguridades que pueden surgir cada vez que se toman decisiones firmes en la vida.

Acompañada de flashbacks, la historia del Billy adulto se mezcla con algunos hechos de su adolescencia, aquellos que le forjaron a ser como es. Todo aderezado con la presencia del asistente personal de Billy, Peter Brand(Jonah Hill), un tipo corriente y un artista de lo que hoy en día sería el excell. Una interpretación, la de Jonah, que hace que Brad Pitt quede en un segundo plano.

El filme hace que nos cuestionemos nuestra forma de valorar las cosas”, comenta Pitt en las notas de producción. “Cómo nos valoramos unos a otros, a nosotros mismos, y la manera en que ponemos la etiqueta de quién es ‘ganador’ y ‘perdedor’ según esos valores. La película pone en tela de juicio la definición del éxito. Le da un gran valor a esta victoria reposada, personal, que no genera grandes titulares ni necesita  trofeos; pero que, para Beane, se convirtió en su Everest personal. Al fin y al cabo, todos tenemos la esperanza de que lo que hacemos tenga algún valor, que signifique algo, y yo creo que esa es la búsqueda que realiza el personaje”.

Frutos secos y “tipos duros”. Ojeadores que escupen en vasos. Nadie espera sufrir un cambio en las reglas del juego interno  en medio de una lucha, interna también, entre Pitt y el entrenador de los A´s (Seymour Hoffman) ¿Quién ganará?

Por Paula Gómez.

Ficha Técnica:

Director: Bennett Miller
Intérpretes: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright Pen.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Año: 2011
Duracción: 133 min.


Marwan, el poeta de Aluche

Con 15 años se compró una guitarra y empezó a componer por necesidad, porque tal y como asegura él mismo: “no se puede hacer otra cosa con esos sentimientos”. Y le damos las gracias por hacerlo y poder así disfrutar de su música, sus letras y por qué no decirlo, del bueno rollo que hay en sus conciertos. Hoy descubrimos a Marwan.

De madre española y padre palestino, Marwan ha pasado toda su vida en el madrileño barrio de Aluche por donde se paseaba guitarra en mano, escuchando a cantautores españoles que le inspiraron en sus primeras canciones. Al principio fueron Silvio Rodríguez, Sabina o Serrat y más tarde Ismael Serrano, Tontxu, Pedro Guerra y otros como César Rodríguez Paco Bello, Carlos Chaouen, Luis Ramiro o Antonio de Pinto… artistas que realzaron un género que andaba olvidado.

Este Licenciado en Educación Física ha ido entrando poco a poco en el mundo de la música, de la que tan difícil es vivir. Sus influencias musicales han ido ampliándose con el tiempo, buscando nuevos estilos como la rumba, el bolero, el reggae. Le atraen artistas como Ben Harper, Quique González, Love of Lesbian, Anthony & The Johnsons o Tote King.

Su último disco “Las cosas que no pude responder” nos sumerge, al igual que lo hicieran los tres anteriores, en “su mundo”. Un lugar en el que los sentimientos fluyen, los tristes y los alegres. Un rinconcito de paz en el que las letras llegan, las sientes y las comprendes. Canciones melancólicas unas y más divertidas otras. Tal y como es él, y tal y como son sus conciertos, en un momento se te cae una lágrima de emoción y al minuto siguiente no paras de reírte con sus ocurrencias.

Marwan no pertenece a ninguna discográfica, prefiere hacerlo todo por su cuenta con ayuda de su manager y amigos del mundo de la música. Todo ha sido a base de trabajo y muchas ganas por hacer disfrutar a su público. Aunque también asegura que Internet le ha dado parte de lo que tiene. Gracias a la red le han conocido incluso al otro lado del charco. Sus canciones suenan en rincones de todo el mundo, y lo mejor es que muchos de estos “oyentes casuales” van a sus conciertos y se convierten en seguidores.

Fotos: J. S. Matilla

Su pasión por escribir le ha llevado a publicar su primer libro de poemas: “La triste historia de tu cuerpo sobre el mío”. Marwan dice que hace poemas para contar lo que no puede de otro modo y por “una necesidad irremediable de comunicar. El mundo es demasiado bonito y demasiado feo como para no contarlo.”

A Marwan le sigue esperando por delante una intensa carrera musical que seguirá sacando una sonrisa o una lágrima contando todo lo bueno y lo malo de este mundo.

Por Patricia Olivares.


Un Espejo en el Cielo

Icíar Bollaín se ha marchado a Katmandú, Nepal, a rodar su última película. Protagonizada por Verónica Echegui narra la historia real que le sucedió a una profesora catalana en los años 90, cuando decidió buscar su rumbo en el techo del mundo, el Himalaya. La película se estrena el próximo viernes 3 de febrero. 

Como le pasó con su anterior filme, También la Lluvia, Katmandú, Un Espejo en el Cielo tiene cierto tono de documental que le otorga realismo y está envuelto en un paisaje deslumbrante que le da fuerza al mensaje de la película. La fotografía es estupenda, en especial en los viajes de la protagonista hacia los pueblos perdidos de Nepal. Y como también sucedió en su anterior película boliviana, lo más notable es la calidad de la interpretación de los secundarios, oriundos habitantes de Nepal y sin experiencia previa en la actuación. Pero, por supuesto, las historias quedan muy distantes la una de la otra. Aquí, el espectador, vivirá junto a Laia la experiencia de enfrentarse al reto de ser profesora en Katmandú, con las consecuencias que eso conlleva; visados, injusticias, vivir el día a día en una cultura y sociedad distintas a las europeas, donde las costumbres son otras, las injusticias son muy grandes en una época en la que no había ni teléfonos móviles ni internet con los que mantener cierto contacto con el mundo que ha quedado atrás.

Cómo se rodó Katmandú, un espejo en el cielo

Laia se transformará viviendo esta experiencia y luchará por hacer sus sueños realidad y crear su propia escuela. “Si queremos transformar nuestro mundo, primero tenemos que imaginarlo“, como enseña a los niños. Una película bien construida, buen guión, muchos matices, quizá demasiados ya que son muchos los temas que Bollaín trata de denunciar. Y quizá lo peor sea el inglés de Verónica Echegui que por mucho tiempo que parece que pase en Nepal no se le encuentra ningún tipo de avance en el dominio del idioma. Película que emociona, merece la pena sobre todo por los paisajes, los muchos mensajes de esperanza y por ver cómo se vive en Nepal. Además, por los estupendísimos secundarios, la amiga de Laia Sumyata Battarai y Norbu Tsering Gurung, cuyo papel y actuación nos robarán el corazón en más de una ocasión.

Por Alba Cantón.

Ficha técnica:

Directora: Icíar Bollaín
Intérpretes: Verónica Echegui, Sumyata Battarai y Norbu Tsering Gurung.
Nacionalidad: España.
Año: 2011.
Duración: 104 min.