“The Hole” ¡Bienvenidos al agujero!

Una especie de circo moderno con números musicales, trapecistas, descarados streeptease e incluso una peculiar historia de amor. Es lo que ofrece el Teatro Häagen Dazs con The Hole. Un espectáculo que surge de la colaboración entre Yllana, Letsgo y Paco León.

Sin conocer su argumento en absoluto, ni siquiera qué tipo de espectáculo me disponía a ver, me senté en la butaca dispuesta a disfrutar con The Hole. Lo primero que pensé es que sería algo cómico, por aquello de que Paco León es uno de los creadores.

Mesas de cabaret a los lados y unos iluminados labios gigantes en el centro, enmarcados por dos escalinatas que transcurren hasta el escenario. Una puesta en escena muy sugerente y un tanto golfa, que se irá descubriendo a lo largo de la función.

Los primeros acordes y canciones onomatopéyicas, son para el Grupo Yllana. Un número con sintonías muy conocidas y perfectamente hiladas, que invitan a cantar al público. Y en ese momento no sabes si has venido a un musical, un teatro, un cabaret o un poco de todo.

Después aparece el maestro de ceremonias, Alex O’Dogherty (antes ya han  interpretado este papel el propio Paco León y Eduardo Casanova). Vestido a lo George Michael, con un liguero de cuero y una chistera, O’Dogherty invita al público a entrar al agujero para poder salir de él. Un conductor sin pelos en la lengua que da paso a los sorprendentes trapecistas, que casi pueden llegar al público de las filas más altas, a los bailarines de streeptease, a un contorsionista e incluso a un equilibrista en barra americana.

Paco León protagoniza "The Hole".

El momento “dramático” llega de manos del maestro de ceremonias, que vive una increíble historia de amor con María del Mar, con la que quiere contraer matrimonio y sentar a la mesa en Navidad. Todo sería normal si no fuera porque María del Mar es una pequeña rata que llega a hablar en la función.

En definitiva, The Hole es un espectáculo impactante, sensual y provocativo, que es mejor descubrir desde la butaca del teatro. Y que sobre todo transmite una cosa: Carpe Diem.

Por Diana Garrido.

Ficha Técnica: 

Lugar: Teatro Häagen Dazs, C/ Atocha, 18 – Madrid
Entradas desde 20 €.
Más información: www.theholeshow.com
Un espectáculo de Yllana, Letsgo y Paco León.

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Crítica de “El Gato con Botas”

“Se dice se comenta” que a los críticos El Gato con Botas no les ha dejado un buen sabor de boca. Lo cierto es que la película entretiene: divierte y entretiene ¿para qué más? Probablemente de eso es de lo que se trata, y es lo que pretendía Chris Miller, creador y responsable del film.

El spin off del felino de ojos verdes es una mezcla entre un cuento de hadas, o más bien, el cuento de Juan y las Habichuelas, y un western con un poco de acción. Una fábula entretenida para toda la familia que también puede disfrutarse en 3D.

El Gato con Botas es una muestra más de que algunos personajes secundarios, ya sean animados o humanos, son tan, o más válidos que los protagonistas. En esta ocasión, el felino se reencuentra con el pequeño Humpty Dumpty, un amigo de la infancia con el que, por lo visto, ha vivido muchas aventuras más aparte de las que ya se vieron en Shrek. Juntos, tienen que conseguir unas habichuelas mágicas que les llevarán a la famosa gallina de los huevos de oro. Por el camino se encuentran con Kitty Zarpassuaves y los malvados Jack y Jill, que intentan impedir a toda costa que el gato y su amigo cumplan su objetivo. Pero nada es lo que parece y El Gato con Botas tiene que salir del paso en más de una situación incómoda, y de alguna que otra traición.

Antonio Banderas pone voz y emoción al Gato, acompañado por Salma Hayek como Kitty Zarpassuaves y Zach Galifianakis como Humpty Dumpty en su versión original. No pasará a la historia, pero la película deja claro que hay Gato con Botas para rato.

Por Paula Gómez. 

Premiere en Madrid con el director Chris Miller, Antonio Banderas, Salma Hayek y el productor Jeffrey Katzenberg. Foto: Paramount

Ficha Técnica

Dirección: Chris Miller.
Doblaje: Antonio Banderas, Salma Hayek, Zach Galifianakis, Billy Bob Thorton.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Año: 2011.
Duracción: 90 min.
Distribuidora: Paramount Pictures.


Zarkana, un mundo de fantasía y surrealismo

Zark es un mago que ha perdido sus poderes y a su amada. La historia transcurre en un teatro abandonado habitado por una heterogénea serie de personajes estrambóticos e incomparables acróbatas. Zark se topará con las Mutantes, cuatro sirenas tan siniestras como fabulosas, que están decididas a desviarlo de su búsqueda.

El Cirque Du Soleil representa lo que deberían ser todos los circos modernos: una mezcla perfecta entre arte, entretenimiento, música y deporte. Sus montajes son siempre sorprendentes, con una calidad escénica y dramática cuidada al detalle y, por supuesto, Zarkana no ha sido una excepción.

Zarkana es el espectáculo circense por antonomasia donde artistas, música, escenografía, coreografías, acrobacias y risas son todo uno. Se trata de una ópera rock donde el maestro de ceremonias nos guía con sus canciones a través de los diferentes escenarios y personajes hasta el culmen de la historia de amor que reprime su espíritu.

Esta producción se ha creado para grandes espacios y esta particularidad es, a su vez, su mayor inconveniente. Cuanta mayor es la distancia al escenario, menor es la capacidad que tenemos de abstraernos en su atmósfera y disfrutar de su magnífica puesta en escena ya que ciertos números quedan completamente deslucidos al no poder disfrutarlos en su plenitud.

Sin embargo, Zarkana es un espectáculo que no hay que perderse si se es amante de la música, el arte y el circo en su máximo esplendor.

Zarkana se representa de martes a domingo en el Madrid Arena hasta el 31 de diciembre.

 

Por Lara Padilla.


Crítica de “Un método peligroso”

Sabina Spielrein fue la mujer que impulsó varios cambios en las vidas y teorías psicoanalíticas de Carl Jung y Sigmund Freud. Una joven atormentada, sensible y llena de traumas infantiles, que fue internada en el hospital Burghölzli Mental Hospital de Zurich, donde se sometió al psicoanálisis de Carl Jung para paliar su histeria, en la época en la que Jung se dedicaba a experimentar las técnicas del psicoanálisis o “curación por la palabra” de su amigo Freud.

Sabina y Carl pronto comenzaron a ser algo más que amigos.  Una fuerza poderosa les atrajó en la búsqueda de la sexualidad y la explicación de los impulsos humanos.

Spielrein, que vivió una intensa relación íntima con Jung y terminó encargándose de algunos pacientes de Freud como prestigiosa psicoanalista, desarrolló un papel especialmente importante en el desarrollo de la teoría de Jung sobre el ánima y en la teoría de Freud sobre la pulsión de muerte.

“Un método peligroso” retrata la visión del director David Cronenberg del momento en el que las almas de estos tres personajes históricos se encontraron y vivieron una experiencia que marcó sus vidas para siempre en vísperas de la Primera Guerra Mundial. El director explica: “He intentado hacer una película elegante, que juega con el terror emocional, pero no pierde su poder de seducción. Me estimularon los detalles inesperados e íntimos de los tres protagonistas. Pueden comunicar lo que debió significar estar atrapados por sus ataduras mentales y físicas y, al mismo tiempo, liberarse. Era un extraño menage a trois, aunque entre Sabina y Freud no hubo ninguna relación sexual. Había afecto en todos los vértices del triángulo, como la gran amistad que unía a Jung y Freud”.

Keira Nightley interpreta a Sabina Spielrein, y es el personaje en el que recae el peso de toda la película. Un papel que probablemente le valga para obtener algún que otro galardón. El atormentado Carl Jung es Michael Fassbender y Vigo Mortensen interpreta al doctor Freud. Un excelente reparto de actores al que se une Vincent Cassel como secundario de lujo interpretando a Otto Gross, un psiquiatra contrario a los pensamientos de Jung y Freud.

Por Paula Gómez.

Michael Fassbender y Keira Nightley protagonizan "Un método peligroso".

Ficha Técnica

Dirección: David Cronenberg
Intérpretes: Keira Nightley, Michael Fassbender, Vigo Mortensen, Vincent Cassel
Nacionalidad: Canadá
Año: 2011
Duracción: 93 min
Distribuidora: Universal Pictures España.


Berlina: “Formamos una combinación original, poderosa y de calidad”

Unos días antes de comenzar a grabar su segundo trabajo, Berlina presentó su nuevo disco en Madrid. Tras un renacimiento en el que Million Ways se convierte en Berlina, el grupo sorprende también con un cambio radical en su música, aunque no pierde su esencia. En abril de 2009 grabaron su primer EP, Anverso, con dos temas en ingles y uno en castellano. En esta ocasión, Manuel Cabezalí, líder de Havalina, será quien les apadrine en la producción de este nuevo proyecto.

Berlina en concierto / Foto de Nani Ramírez

Después de tantos años como Million Ways, ¿cuál es el motivo de la transformación en Berlina?

Digamos que es el reflejo de la evolución del grupo. Million Ways se presentaba como un proyecto muy brit pop, y en inglés. Ha ido evolucionando hasta lo que somos ahora, combinando temas más progresivos o instrumentales con canciones más simples pero sin estructuras estándar. Damos más cabida a los sintetizadores y ahora cantamos en castellano. Todo esto sin olvidar que hemos cambiado de batería. Podemos decir que este tiempo nos ha servido para, poco a poco, definir nuestro sonido. Y el resultado se llama Berlina.

Hasta ahora os hemos escuchado en inglés, pero en Anverso ya incluisteis un tema en castellano, ¿cuál ha sido la razón de esta evolución en vuestra música?

Siempre ha habido una “lucha” interna, aunque amable, entre los componentes que creían en el inglés y los que pensaban que el castellano tenía más sentido, dependiendo también de las influencias originales de cada uno de nosotros. Así surgió Reverso, como un primer intento de ver lo que podía pasar con el castellano. ¿Y ahora? a pesar de que nuestras influencias siguen siendo muy inglesas y americanas, estamos todos convencidos de que es más interesante para nosotros trabajar con el castellano y que así somos más sinceros.

¿Seguiremos escuchándoos en inglés o preferís quedaros con el castellano?

Nunca se sabe, pero dudamos mucho que volvamos al inglés.

Sergio (voz y guitarra), Alfonso (guitarra), Ploum (bajo) y José (batería) / Foto de Naxo Alonso

En la presentación del nuevo trabajo escuchamos un adelanto de las canciones que lo compondrán, pero ¿ya tiene nombre?

No. Tenemos una idea de lo que buscamos pero el trabajo en estudio siempre cambia los temas, les da otro color, otro sentido. Preferimos dejar que esta experiencia de la grabación influya en la música y también en el nombre del EP.

La grabación del primer disco supone la consolidación del grupo; ahora que habéis dado el primer paso en la etapa de madurez, ¿cómo veis vuestros inicios en el mundo de la música? ¿En algún momento pensasteis que era posible llegar al punto en que os encontráis actualmente?

A ver, la música sigue siendo para nosotros una afición. Una afición importante (y cara), pero una afición. A la vez, pensamos que la ambición es parte del juego, cada vez nos lo tomamos con más profesionalidad: queremos hacer las cosas bien y la ambición es un motor para ello. Y para responderte, estamos muy orgullosos del trabajo realizado hasta ahora y que se ve reflejado en nuestros directos y en el EP Anverso, pero pensamos, sin prepotencia, que formamos una combinación original, poderosa y de calidad, y que podemos todavía llegar a mucho más.

Trabajar en un algo como la creación de un nuevo proyecto es complicado, más aún si se hace de forma independiente. A vosotros, ¿quién os echa una mano?

¡¡Todo se paga!! (risas). En serio, en lo musical, sabemos a dónde queremos ir. Luego tenemos a Isa y Lucía, de Tachuelas Music. Son nuestras managers y se encargan de toda la parte de promoción y organización. Es una ayuda importante porque es un trabajo indispensable y a la vez, ¡a nosotros nos evita muchos quebraderos de cabeza!.

¿Quién es el compositor de vuestras canciones? ¿De dónde sacáis la inspiración?

La mayoría de los temas los compone Alfonso. Llega al local con guitarra y melodía de voz. A partir de allí, trabajamos todos y por separado para montar cada una de las partes, como un puzzle que se va haciendo poco a poco. Luego, algunos temas son de Sergio y otros salen directamente del local de ensayo, de momentos de improvisación.

Abrirse paso en el mundo de la música es difícil, y ganarse la vida con ello, lo es aún más ¿a qué os habéis tenido que dedicar para sobrevivir?

Cada uno tenemos nuestro trabajo, Jose y Alfonso se dedican son docentes de la música y Sergio y Sylvain son ingenieros.

 ¿Qué esperáis encontraros a partir de ahora?

Muchos conciertos, gente, momentos intensos para compartir y poder seguir disfrutando de lo que más nos gusta. Por el momento, esperamos poder encontrarnos todo esto el próximo sábado, 26 de noviembre, en la Sala Independance, donde tocaremos con Kennedy.

Enlace en facebook: www.facebook.com/berlina

Enlace música: berlina.bandcamp.com

Por Nani Ramírez


Adrián Usero: “Cuando te dan un primer aplauso ya no quieres que dejen aplaudirte nunca”

“Soy Adrián Usero, un apasionado de la música.  Me da un poco sarpullido la palabra cantautor. Quiero hacer música por hobby, para divertirme, y como muchos otros  intento hacer algo distinto. Hay gente que paga por una equipación de fútbol y alquila un campo para jugar, yo alquilo una sala y toco. No me gustan las etiquetas y tengo un disco muy especial, que acaba de salir, “Gigantes”. Un recopilatorio de lo que llevamos haciendo desde hace cinco años”.

Claro y sencillo. Adrián Usero nació en Madrid, pero vivió hasta hace cinco años en Ciudad Real. Además de un apasionado de la música, es diseñador gráfico. En algunos conciertos lleva pasteles hechos por él “si no hiciera música sería cocinero, me encanta”. Adrián es afable, cercano y se siente feliz por poder subirse a un escenario sin preocupaciones.

¿Cómo comienzas en el mundo de la música?

Empecé de casualidad. Yo no he nacido para hacer música…A mi me gusta escribir. Lo que hice fue juntarme otra gente…me reuní con José Lemus, que tenía un grupo en Ciudad Real y le pasé letras. En un concierto me dijo que subiera al escenario y me animé, y cuando te dan un primer aplauso ya no quieres que dejen de aplaudirte nunca. Luego, conocí a más cantautores, entre ellos Carlos Siles. Gente dispuesta y con la que era fácil trabajar. Me vi con siete canciones y decidí grabarlas. Después hicimos José Lemus y yo una gira conjunta . Piensas que va a ser solo un año de conciertos, pero te das cuenta de que no puedes parar de hacer música, ni de dar conciertos. La gente puede parar de escribir canciones en un momento dado, pero dejar de dar conciertos, mientras a la gente le guste, es algo que no se puede frenar.

¿Qué puedes contar a los lectores de Red Carpet sobre tu último disco, “Gigantes”?

Cuando terminé el disco anterior lo quise presentar con una banda y empecé a juntar a más músicos. De repente en la presentación del disco ya sonaba mejor el concierto que el disco en sí, entonces pensamos en grabar un directo, pero no era tan fácil como parecía, así que decidimos meternos a estudio y también incluir en “Gigantes”  un par de colaboraciones de instrumentos que normalmente no nos acompañan, como un laúd y un saxofón.

Además, en “Gigantes” aparecen letras del músico Carlos Siles ¿Cómo surge su colaboración?

A Carlos lo conocí por casualidad en un concierto. Iba a ver a otra persona y estaba él. Tuve la suerte de programar Pachamama, que es una sala de Ciudad Real y lo llevé a actuar. Tuvimos la suerte de entendernos, porque, además, nos gusta el mismo tipo de música, entonces le pasé letras y después empezamos a escribir canciones y hasta hoy tenemos unas cuantas escritas. Siempre discutimos sobre si poner una frase u otra, pero nos llevamos muy bien y nos entendemos perfectamente.

¿Alguna canción “talismán” de Gigantes?

Es difícil decidir, es como si te preguntan ¿cuál es tu hijo favorito?(risas)…Yo creo que “Quimeras” es mi canción favorita, hoy por hoy, a lo mejor dentro de meses cambio de idea, pero ahora quizás sea esa, porque además tiene una versión en gallego y me recuerda a muchas cosas.

En los tiempos que corren ¿es factible vivir de la música?

Pienso que se puede vivir de la música pero en casos muy aislados. Me rodeo de gente que intenta vivir de la música y que no lo consigue, tocan en salas, o tocan en el metro para sacar dinero…y hay gente que se lo merece, amigos que hacen canciones que deberían ser superventas, como una canción de mi amigo Dani M. que se llama “Ojalá”…pero es muy difícil. Hace cuatro años en mis conciertos había más de cien personas, ahora es más complicado, porque la gente en esta época si tiene que dejar algo, se quita de ir a conciertos. Hoy por hoy, además, nadie te lo pone fácil, ni las discrográficas, ni la SGAE…Yo tengo la suerte de no ver esto como una profesión, además tengo un trabajo fijo y se que si hago un concierto y viene menos gente a verme me lo voy a pasar bien igualmente con el público y no me voy a preocupar en ese sentido.

El último disco de Adrián Usero se llama “Gigantes”.

TEST DE RED CARPET

Un libro: “Sin noticias de Gurb”, de Eduardo Mendoza.

Serie: Me gustan tantas que soy incapaz de contestar…pero me quedo con “Dexter”.

Película: Una que he visto hace poco, “Rebobine, por favor”…no te voy a contar de qué va porque no soy de contar las películas, es mejor que la veáis…

Disco: “Yo mi me contigo”, de Joaquín Sabina.

Serie de la infancia: ¡Bola de Dragón!

Sueño cumplido: Cantar en la Sala Galileo. El otro día canté en Galileo con Lemus y Agustín Durán, siendo teloneros de Fran Fernández. Fue fantástico.

Sueño por cumplir: Que Ana Belén cante una canción mía. (yo empecé a escribir porque estaba enamorado de Ana Belén, y quería ser su letrista –risas-).

Por Paula Gómez.


Madrid recupera al “musical de musicales” por tres únicos meses

‘Chicago’ vuelve a Madrid tras dos años deleitando al público barcelonés. Desde el pasado 18 de noviembre hasta el próximo 5 de febrero, los madrileños y visitantes podrán disfrutar de uno de los musicales más alabados de Broadway.

En su presentación en el teatro Nuevo Alcalá, el elenco representó dos de sus números más conocidos: ‘Al son del Jazz’ y ‘Lo que importa es el amor’ interpretada por Manuel Bandera, con quien pudimos compartir unos minutos tras la actuación para que nos contase sus impresiones en esta nueva etapa del musical.

Aunque afirma que él no es cantante, su actuación en el musical es una de las más esperadas y comenta que esta nueva oportunidad de estar en el escenario le agrada muchísimo. “Es la oportunidad para disfrutar de ‘Chicago’ y disfrutar de Billy Flynn. El espectáculo es fantástico, redondo, muy bien fabricado. Es impecable. La gente se lo pasa muy bien. Tengo mucha confianza en él.”

Hace dos años pudimos verte con otro elenco. ¿Qué tal los nuevos compañeros?

Me he acoplado perfectamente tanto con Marta Rivero como con María Blanco. Son dos excelentes profesionales. Estas tablas las manejan como nadie. Sinceramente, creo que el espectáculo no desmerece ni un ápice desde que se estrenó en el teatro Galileo. Y con mi amiga Marta Valverde, ¡qué te voy a decir! [se ríe al recordar la complicidad que tiene con su amiga con la que trabajó anteriormente en Cabaret].

 La Gran Vía madrileña se está convirtiendo en un pequeño Broadway. Como actor, ¿qué te hace sentir?

Me hace sentir muy bien. Hace algunos años que viene pasando esto. Desde que trabajé en el Lope de Vega, los cinco últimos meses de la primera producción de ‘La Bella y la Bestia’, Madrid, como escenario de espectáculos musicales, ha ido creciendo cada vez más. El público viene y aprovecha que visita Madrid para venir al teatro. Todavía no llegamos al tamaño de Broadway ni del West End pero estamos en ello. Llevamos muchos años de retraso. Ese es nuestro problema.

María Blanco, Marta Rivera y Manuel Bandera en la presentación de 'Chicago' en el Teatro Nuevo Apolo. Fotos: Lara Padilla.

Quizás en tamaño y cantidad de producciones aún no estamos a ese nivel, pero la calidad de las últimas producciones en nuestro país es admirable…

Hay mucha gente que nos comenta que lo ha visto [el Musical de Chicago] en Broadway o en Londres y dice que nuestro espectáculo no deja nada que desear. Yo no lo he visto desde fuera sino que lo he vivido desde dentro hacia afuera pero, tienes razón, hay mucha calidad. [Manuel se abstrae un segundo para recordar.] De hecho, la calidad que hay encima del escenario de ‘Los Miserables’ me parece impecable. Me cuesta imaginar que haya mucha mayor calidad en otras producciones. El día del estreno había una calidad vocal, escénica e interpretativa impresionante. Esperemos que eso nos pase a nosotros.

En estos momentos, compaginas tu papel en la serie ‘Bandolera’ con el personaje de Billy Flynn. La pregunta es casi obligada: ¿en qué medio te sientes más cómodo?

El teatro tiene algo especial por muchas razones. Primero, lo estás haciendo en directo y de principio a fin. No se trata de empezar una secuencia y pensar de dónde venía, el estado emocional del personaje, no… El espectáculo empieza y acaba. Y, segundo, esto [señala la amplitud del teatro con evidentes signos de admiración]. No hay parangón. El público está aquí. Notas cómo lo está viviendo. Notas desde el primer minuto si está más o menos receptivo. Incluso si estás interpretando un drama, cuando consigues ese silencio en la sala… [suspira] no tiene precio. Es lo que más me motiva. Es el teatro.

En esta producción, María Blanco (Roxie Hart), Marta Ribera (Velma Kelly) y Marta Valverde (Mama Morton) acompañan a Manuel Bandera en una historia de mujeres pasionales que caricaturiza la justicia estadounidense de los años 20 y denuncia el sensacionalismo de los medios que abogados sin escrúpulos manejaban a su antojo para fines ilícitos.

Un espectáculo con coreografías sugerentes a ritmo de jazz, indicado para aquellos que no tuvieron ocasión de verla y para reafirmar la elección de aquellos que ya la vieron.

Por Lara Padilla.