Human Core, hablamos con los creadores de una serie existencial y filosófica.

Frame de Human Core

Iker Iturria y Manfre son los creadores de Human Core, una serie que revoluciona el concepto de la ciencia ficción; cada capítulo explora una idea, un sentimiento o emoción a través de distintas narrativas. El corazón de la historia es la reclusión de varias personas en un búnquer en un futuro no muy lejano. Realizado con suma precisión de datos – todo basado en experimentos y estudios- analiza la historia de la existencia y el pensamiento humano en unos cuantos capítulos para la red que pronto llevarán al cine.  Hablamos de un gran proyecto realizado de forma casi artesanal por estos dos realizadores polifacéticos con los que Red Carpet ha tenido la oportunidad de hablar. 

¿Cómo surge la idea? ¿Qué os lleva a realizar el proyecto de Human Core?

 La idea inicial surge de una necesidad real, el autoconocimiento a través del aislamiento, una especie de aproximación al origen y surge también de una necesidad de divulgación, análisis y de autocrítica.Un acontecimiento tan anecdótico como hacer zapping en una televisión agena resultó de gran trascendencia para el proyecto, topamos con un fragmento de un documental sobre Stephen Hawking y en ese momento hablaban de un tipo muy curioso que se cruzó en la vida de Hawking. Este hombre en cuestión, cuyo nombre desconocemos, comenzó su carrera como vendedor de coches pero como no estaba del todo satisfecho se cambió a la terapia, hacía unas estravagantes terapias de reprogramación psicológica que él consideraba científicas pero que violaban por completo los principios del método científico.  Human Core es una intersección ciencia/arte/cine, a su vez convergen distintos géneros como la ficción, el documental y el video arte. Su forma y estilo no fue premeditado, sabíamos que teníamos entre manos un proyecto arriesgado, pero fue el propio guión quién lo pidió a gritos. Este proyecto estaba planteado muy diferente a lo que ha resultado ser el corte final.

  ¿Qué acogida ha tenido Human Core para el público a través de la red? ¿Creéis que la sociedad está preparada para aceptar este tipo de propuestas experimentales y autocríticas? 

 Mejor de la que esperábamos, aunque hemos intentado transmitir la idea lo más clara posible sabíamos que era un proyecto arriesgado y delicado para el público, no iba dirigido a un target generalista. Sin embargo, Human Core ha tenido un público muy heterogéneo. Aunque existen mayorías y movimientos en masa la sociedad es, al fin y al cabo, heterogénea y en esa diversidad siempre hay alguien dispuesto a conceder su tiempo a propuestas más arriesgadas y menos entretenidas. Es un hecho que la mayoría no está preparada, entendemos que la experimentación llega a ser muy gregaria y no despierta el interés de muchos, ni tiene por qué ser mayoritaria, pero en el caso de la autocrítica creemos que en los tiempos que corren es muy necesaria, también el escrutinio de las ideas.

 ¿Qué os hizo plantear la historia como pequeños capítulos? ¿Posibilidad de llevarlo al cine o a festivales de género?

El DO (http://do.minisites.xtvl.tv/) es un programa de emisión semanal de una hora de duración que contiene 5 miniseries, al ser Human Core un proyecto para el DO está sujeto por contrato a una serie de condiciones, entre otras el formato. Precisamente el formato ha sido una de nuestras mayores dificultades, pero como contrapartida ese hecho nos ha ayudado a organizar las ideas. Editaremos una nueva versión, mejoraremos todo aquello que creemos ha quedado flojo y le daremos una nueva forma que intuimos beneficiará al proyecto. Utilizaremos esa proyección como pase previo para ver la reacción del público, esperamos que esto nos ayude a tomar la decisión de presentarlo a festivales. La proyección será el 9 de Febrero, a las 22h, en los Cines Girona de Barcelona. El pase es gratuito, todo el mundo está invitado.

  Cómo ha sido el trabajo de dos directores que prácticamente han hecho de todo en el rodaje. 

 Resumiendo, hay dos cosas que te llevan a ser polifacécito, o eres un enfermo del perfeccionismo y eso te conduce sin remedio al liderazgo de múltiples departamentos o bien no tienes pasta. En nuestro caso era una combinación de ambas. No es producente como director tener que ir a comprar coca-colas a la par que preparas el plano, pintar el escenario mientras elaboras en el guión técnico, ensayar con los actores mientras negocias con los proveedores o editar mientras haces tareas de community manager, sobre todo porque uno acaba agotado y eso interfiere en la concentración que requiere la labor del director. Igualmente lo hemos disfrutado muchísimo, nunca mejor dicho “sarna con gusto no pica“. Pero no podemos pasar por alto el gran trabajo que ha hecho todo el equipo que hay detrás de este proyecto, un equipo muy reducido, cierto, pero imprescindible. Sin ellos Human Core estaría perdido. Es gracias a todo este equipo que Human Core ha conseguido un aspecto tan propio.

Crew (http://xtvlblocs.cat/humancore/crew/)

Cast (http://xtvlblocs.cat/humancore/cast/)

 ¿Habéis encontrado dificultades a la hora de realizar esta producción de manera casi artesanal e independiente? 

Buena pregunta. Podríamos hablar de tantas cosas que no sabemos por dónde empezar. Toda producción cinematográfica o audiovisual es en si misma un desafío, pero si combinamos una producción ambiciosa con un presupuesto bajo las dificultades aumentan exponencialmente. Consideramos que hacer cine es de locos y nuestra locura no ha tenido límites. Hemos estado un año viviendo en un mundo paralelo de microprocesadores cerebrales donde nos hemos encontrado con un millón de dificultades, desde platós con dimensiones complejas, construcción de un búnquer complejo, instalación de iluminación compleja, horarios complejos del equipo, escenas complejas, un material técnico que nos ha limitado mucho, menos el servicio de cathering (gracias Esther), todo ha sido un largo etcétera complejo y redundamos en la complejidad para que el lector se haga una pequeña idea de la envergadura de esta pesadilla. La clave para llevar a cabo esta producción ha sido el “hazlo tú mismo , pero con entusiasmo“. Hemos confiado mucho en el proyecto, a pesar de su enorme riesgo.

 Aquí el link para poder viajar al universo de Human Core.

http://xtvlblocs.cat/humancore/categories/capitulos/

Por Alba Cantón

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El retrato de la perfecta esposa

Dirigida por Quino Falero, ‘El manual de la buena esposa’ nos transporta a la época de los pololos, donde la mujer, educada para aparentar y no para vivir su vida, debía ser sirvienta del hogar y hacer  del matrimonio su objetivo único. Unas normas de conducta que desde los púlpitos, la prensa, la radio y las aulas de la Sección Femenina predicaban en pos de mantener la moderación y el recato e insistía en los peligros de entregarse a cualquier exceso o derroche…

Una comedia que habla, fundamentalmente, sobre la mujer española y los tiempos que le tocó vivir desde 1934 hasta 1977 y que está magistralmente presentada por tres mujeres: Llum Barrera (“Princesas”, “Diario de una Ninfómana”), Mariola Fuentes (“Hable con ella”, “Los Abrazos Rotos”) y una sorprendente Natalia Hernández (“La que se avecina”, “El Comisario”).

Dividida en varias historias, veremos pasar por el escenario niñas o jóvenes que aspiran a un puesto en la Sección Femenina, o aplicadas esposas que buscan la felicidad del cónyuge, o transgresoras de normas establecidas en religión o sexo… mujeres de diferentes edades, estratos sociales o comunidades en situaciones muy cotidianas, que junto a la voz de las tres actrices dibujan con detalle las “mujeres de posguerra”.

Las tres actrices se convierten en distintos personajes para representar esos modos de vida pertenecientes a este pasado no tan lejano. Temas como las relaciones matrimoniales, la educación, el deporte, la invasión de las suecas, la religión, la censura, la radio, la sexualidad y hasta los coros y danzas son tratados con sentido del humor, rozando a veces la parodia o la exageración, sin crear una crítica aparente, y dejando al público que saque sus propias conclusiones.

Para mayores y no tan mayores, esta original comedia hará reír a la vez que retrata y vuelve a descubrir a la mujer española de la época de nuestros abuelos.

‘El manual de la buena esposa’ se representa desde el pasado día 20 de enero de martes a domingo en el Teatro Lara.

Por Javier Fernández Valera. 


Gerardo Herrero: “Estoy en contra de la piratería, que ha hecho tanto daño a la industria y a tantas empresas”

Gerardo Herrero es director, productor y guionista de cine. Fue presidente de la Academia de Cine en 1994. Fundó Tornasol Films con Javier López Blanco y acaba de estrenar su decimosexta película como director “Silencio en la nieve” (pulsa aquí para leer nuestra crítica). En su labor como profesional defiende el trabajo de los suyos, agradece el apoyo del cine español, promociona “Silencio en la nieve” y trabaja como productor de la próxima película de José Luis Cuerda, “Todo es silencio”.

Gerardo Herrero presentó con todo su equipo "Silencio en la nieve":

¿Cuáles son las limitaciones que le ha supuesto el rodar una película como “Silencio en la nieve”, basada  en un libro?

No he tenido limitaciones. Se parte de un punto de partida que existe. La historia tiene ya los personajes y al hacer un guión de un libro solo tienes que contar lo que tiene un valor narrativo y lo que tiene un valor visual.

¿Le preocupa que el enfoque que se le da a la División Azul en la película pueda generar algún rechazo entre determinado público?

Tenía claro cómo quería contar la historia. Es un thriller, no es una película que hable de la División Azul. De la División se habla indirectamente, pero lo que estoy contando, en la línea narrativa principal, es el descubrimiento de una serie de asesinatos en serie que se producen en la División Azul. Para mí, además, es una oportunidad que me sirve para poder hablar de cómo vivían allí los españoles con uniforme alemán, que no nazi, que mucha gente confunde lo alemán con lo nazi. También me sirve para contar cómo era la relación de los militares con los falangistas, pero todo dentro de un thriller y una película policiaca. También se habla de la vida militar, la relación con los rusos, el ocio en el campamento…todo dentro de lo que, insisto, es una película de género.

¿Cómo eligió a los actores de “Silencio en la nieve”?

Fui eligiendo a los actores porque me gustaban… Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Víctor Clavijo…a todos los conozco y ya he trabajado con ellos, así que los puse en la película  en función de sus físicos y características interpretativas. Para mí lo más importante de una película es que los actores estén bien y estoy muy satisfecho. Creo que es un valor que todo el mundo reconoce.

Viendo el panorama actual y el reciente cierre de Megaupload ¿Qué valoraciones puede hacerme al respecto?

Estoy en contra de la piratería, que ha hecho tanto daño a la industria, ha quitado puestos de trabajo y ha hecho daño a tantas empresas. Además la calidad de esas películas se ha visto dañada por la mala calidad de imagen y demás…Creo que internet es algo maravilloso pero por ejemplo, el coste de las películas en Filmin son costes muy baratos…y no vamos a robar libros a las librerías y pagamos la gasolina de nuestro coche…así que hay defender lo nuestro.

Sobre la digitalización de las salas en 2012 ¿Qué puede contarnos?

Las salas que no se digitalicen no sobrevivirán, los que quieran sobrevivir tendrán que digitalizarse porque va a ser un fenómeno  imparable.

¿Planes de futuro?

Sigo trabajando en guiones pero por ahora no tengo un rodaje a corto plazo como director, como productor estoy produciendo una película de José Luis Cuerda, también de silencio porque se titula “Todo es silencio”.

¿Se atreve con una porra para los Goya?

Son todos amigos, ya me lo han propuesto más veces pero no puedo hacerlo porque los directores y los productores son amigos míos.

¿Y con los Óscar?

Yo creo que va a ganar The Artist.

Despedida:

“Quiero desearos mucha suerte, que os vaya muy bien y que sigáis apoyando al cine español”.

Por Roberto García Vega y Paula Gómez.


La carrera hacia los Goya (II)

Elena Anaya y José Coronado, las grandes apuestas para los Goya.

El próximo 19 de febrero, el Palacio de Congresos de Madrid, acogerá la gala donde se premia lo mejor de nuestro cine y la humorista Eva Hache será la encargada de conducirla. Una elección que parece confirmar la trayectoria que  había iniciado la Academia en 2007, eligiendo a estrellas del mundo de la televisión. Y todas con un denominador común: el humor. En la última década, nos hemos reído junto a José Corbacho, Carmen Machi y Andreu Buenafuente, que incluso “murió” en 2010 para que “el dios” Antonio Resines lo resucitara al año siguiente y presentar de nuevo los Goya.

Ahora será Eva Hache la que afronte la entrega de premios con el objetivo de hacerla dinámica y sobre todo divertida. Una gala que, según confiesa el presidente, Enrique González Macho, acorde con el momento económico que vivimos, será más austera que la del año anterior, cuando se celebró el cuarto de siglo de la Academia. No obstante, los que la sigan por TVE podrán disfrutar de coreografías, actuaciones musicales, monólogos y mucha gente del mundo del cine encargada de entregar los “cabezones”.

Y cómo no, lo importante de esta gala son las películas. Como las 4 favoritas que acaparan las categorías de Mejor Película y Mejor Director. Aunque entre ellas, una ha destacado estos días por llevarse el Premio José María Forqué a la mejor película de 2011, premio que podría considerarse como una antesala de los Goya. Se trata de No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu en la que José Coronado, que borda el papel del policía corrupto Santos Trinidad, también se ha llevado premio. Pero La piel que habito no se ha ido con las manos vacías, su protagonista Elena Anaya también ha sido galardonada.

De momento, la película de Urbizu se pone por delante (2 premios, por 1 de La piel que habito) entre el elenco de favoritas. Pero dejando atrás quinielas y sondeos, lo mejor es que todas ellas se merecen el premio, por seguir creando cine que valga la pena admirar. 

Por Diana Garrido.


Crítica de “Albert Nobbs”

Es evidente que una buena película tiene que gustar en conjunto, ha de ser equilibrada. Albert Nobbs, el último trabajo del director Rodrigo García, resbala en alguna de sus partes, pero la sensación que transmite ver en pantalla a una actriz como Glenn Close eclipsa absolutamente todo.

El film cuenta la historia de una mujer que debido a la sociedad en la que vive, la Irlanda del siglo XIX, se ve obligada a hacerse pasar por un hombre y conseguir así, un trabajo en el lujoso hotel Morrison de Dublín. Durante años Nobbs mantiene su oficio tras la máscara de un camarero serio y meticuloso.

Se podría calificar de fría a una película que emociona precisamente por la forma en la que se presenta esa sensación. Albert Nobbs es un hombre que guarda sus ilusiones bajo una baldosa, que abandona esa insensibilidad cuando detrás de la puerta de su habitación desata los nudos de su corsé y empieza a sentirse como lo que realmente es. Sin ninguna duda Close corona su carrera con este papel que conoce e interpreta a la perfección. Y es que, además de ser la protagonista y la ganadora del Premio Donostia 2011, se encargó de escribir el guión de esta adaptación de la obra de Broadway “The singular life of Albert Nobbs”.

Rodrigo García concluye esta historia de manera torpe y sin sentido, pero transmitiendo de nuevo, y como no deja de hacer en los 113 minutos que dura la cinta, esa frialdad sensible que hace que el espectador adore a Albert Nobbs mientras está sentado en la butaca y, a Glenn Close tras salir de la sala.

Por Guillermo Lerma.

Ficha técnica

Director: Rodrigo García.

Intérpretes: Glenn Close,  Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Jonathan Rhys Meyers, Brendan Gleeson.

Nacionalidad: Reino Unido.

Año: 2011.

Duración: 108 min.


Una original forma de entender la Historia de España

¿Es posible contar la historia de nuestro país desde la Prehistoria hasta nuestros días en tan sólo 70 minutos? Este es el reto que se propone la compañía Seven Inks con un texto impecable de Ernesto Filardi. Todo comienza con una cómica pareja de seres primitivos que buscan una cueva en la que refugiarse hasta que reciben una inesperada visita. A partir de ahí, todo es una sucesión amena y entretenida de acontecimientos que repasan con anécdotas y rigor histórico los pasos que hemos ido dando hasta llegar al punto en el que nos encontramos.

El espectador sentirá cierto escepticismo mientras espera que comience el espectáculo, y es que parece demasiado inabarcable la tarea de contar en poco más de una hora algo que hemos intentado estudiar desde la infancia.  Sin embargo, sorprende lo sencillo que el autor hace el transcurso de los acontecimientos y el ingenio con que retrata y caricaturiza a cada personaje.

La llegada de los fenicios y los griegos, el esplendor y ocaso del Imperio romano en la península Ibérica, los Reyes Católicos y una divertidísima Juana ‘la Loca’, la incursión de Napoléon y su hermano por nuestro país, las guerras carlistas o los amoríos de Isabel II. Episodios clave de nuestra historia que hace un divertido repaso para los más necesitados de dosis de cultura general y a la vez un guiño a los que más saben de historia (Godoy, por ejemplo, aparece en escena con una naranja haciendo alusión al ramo de naranjas que envió a la reina María Luisa, su amante, durante un conflicto bélico con Portugal).
Es también todo un mérito tocar temas tan delicados como la Guerra Civil o el Franquismo sin despertar ningún tipo de sensibilidad porque tal y como afirma Iria Márquez, productora y ayudante de dirección, “es un texto que gusta a los de izquierdas y a los de derechas”.

Carlos Fapresto, Javi Rodenas y Luna Paredes interpretando la Edad Paleolítica / Fotos: Nani Ramírez

Los tres actores sobre los que recae todo el peso de la obra, Luna Paredes, Carlos Fapresto y Javi Rodenas hacen uso de un ingenio y una energía remarcables, llegando a interpretar hasta 70 personajes diferentes sin mostrar ápice alguno de despiste o cansancio.

Un repaso tan fugaz por nuestra historia da cuenta de todos los conflictos que nuestro país ha atravesado. Todas las rivalidades y luchas por el poder que no han llevado a ningún puerto y lo mucho que avanzaríamos si arrimásemos el hombro para olvidar diferencias y crecer juntos.

‘Historia de España en 70 minutos’ está a punto de cumplir su primer aniversario y se representa todos los sábados en el Teatro Café Arenal.

Por Vicente Rodrigo.


¿Por qué no un vinito? ¡Llega el microgastroteatro!

Ángela Durán y Javier Godino interpretan 'El último centavo de Hemingway / Foto: Microteatro por dinero

Gastrofestival 2012 ha aterrizado en Madrid con un amplio programa que engloba hasta al mundo de la cultura. En este caso, y debido al éxito del año pasado, la gastronomía se sumerge en el mundo del Microteatro para hacer un ciclo especial de dos semanas de duración con el vino como tema central.

La esencia del formato de Microteatro por dinero sigue intacta: se representarán pequeñas obras de teatro de unos 15 minutos de duración para no más de 15 espectadores, a los que obsequiará con una copa de vino en función de la sala que elijan.

Desde ayer, han tomado la escena un total de 5 obras, entre las que destaca la escrita y dirigida por Nancho Novo, ‘Álvaro o la fuerza del vino’, protagonizada por Teté Delgado y Vito Sanz, una peculiar comedia que centra su temática en torno al vino Albariño (inevitable guiño de Novo a su tierra).

‘Apalancada’ (bajo la dirección de Ana Risueño), ‘Superdotado’ (Miguel Alcantud), ‘Estocolmo’ (Fran Parra) y ‘El último centavo de Hemingway (Carmen Morey, protagonizada además por Javier Godino -lo recordarás por películas como ‘El secreto de sus ojos) son el resto de obras que completan el cartel de esta colaboración de Microteatro, el Gastrofestival y las Bodegas Ramón Bilbao.

Las obras permanecerán en cartel dos semanas, de martes a domingo a partir de hoy hasta el próximo 5 de febrero.

Por Vicente Rodrigo.